CaixaForum Sevilla rinde culto a la experiencia del arte con obras de Rineke Dijkstra y Philippe Parreno

CaixaForum Sevilla rinde culto a la experiencia artística a través de dos obras audiovisuales de la reconocida fotógrafa holandesa Rineke Dijkstra y del polifacético y visionario artista francés Philippe Parreno, ambas pertenecientes a la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación ”la Caixa”.

La directora de la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación ”la Caixa”, Nimfa Bisbe, y el director de CaixaForum Sevilla, Moisés Roiz, han presentado este jueves en CaixaForum Sevilla Fuera de marco. Obras de Rineke Dijkstra y Philippe Parreno. La propuesta plantea dos aproximaciones distintas a la experiencia del arte: una, a través de la videoinstalación Night Watching, de Rineke Dijkstra, y la otra, mediante la película inmersiva La Quinta del Sordo, de Philippe Parreno. 

Mientras que Night Watching, de Rineke Dijkstra, retrata distintos grupos de visitantes que contemplan La ronda de noche, de Rembrandt, La Quinta del Sordo, de Philippe Parreno, transporta virtualmente a los espectadores a la casa en la que Goya creó sus «Pinturas negras». 

Ambas instalaciones ofrecen una perspectiva singular del arte de estos dos grandes maestros del pasado a través de la interacción con los espectadores. Las dos obras trascienden la noción tradicional del marco como contenedor de la mirada y desbordan sus límites. Dijkstra pone el foco en el lado de quienes observan el arte, mientras que Parreno los traslada más allá del museo, hacia un espacio hoy desaparecido, abriendo nuevas posibilidades de experiencia artística. 

Se trata de dos grandes instalaciones, recientemente incorporadas a la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación ”la Caixa”, que sitúan al público en el centro de la experiencia artística y que se podrán disfrutar hasta el 31 de mayo de 2026 en CaixaForum Sevilla, tras su presentación en CaixaForum Barcelona. 

La exposición se inicia en un espacio de bienvenida que conduce a las dos salas independientes, ambas equipadas con tecnología de última generación en imagen y sonido, y diseñadas para generar una atmósfera envolvente que intensifique al máximo la experiencia del público. Cada sala cuenta, además con paneles aislantes que evitan la contaminación acústica entre ambas, garantizando una experiencia sensorial óptima. 

La exposición refleja cómo la experiencia artística es un viaje profundamente personal, en el que cada espectador aporta una mirada única modelada por sus vivencias, conocimientos y bagajes. La muestra destaca así el papel activo del público en la construcción del significado del arte: los espectadores se convierten en creadores que descubren, interpretan, narran, imaginan y reinventan nuevas lecturas de las obras. 

14 grupos de visitantes contemplan La ronda de noche, de Rembrandt

En la videoinstalación de tres canales Night Watching (2019), la artista neerlandesa Rineke Dijkstra invita al espectador a ver y escuchar a públicos muy variados mientras observan La ronda de noche (1642), obra maestra de Rembrandt, sin que nunca se llegue a ver el célebre lienzo. 

Tras recibir una invitación del Rijksmuseum Museum de Ámsterdam para producir este audiovisual, la artista filmó a 14 grupos de visitantes mientras contemplaban y comentaban esta icónica pintura del siglo XVII, un retrato de la milicia de Ámsterdam considerado una de las obras más emblemáticas del pintor neerlandés. 

Dijkstra realizó la filmación frente a la gran pintura de Rembrandt situada en la Galería de Honor de la pinacoteca holandesa, durante seis jornadas consecutivas, siempre después del cierre al público. Los visitantes fueron situados ante un fondo neutro para concentrar toda la atención en sus expresiones, miradas y comentarios. 

A través de estos grupos, la artista quiso reflejar la diversidad social de las ciudades actuales, por lo que dedicó especial cuidado en la selección de los participantes con perfiles, edades, dinámicas y relaciones distintas. 

En el vídeo aparecen, entre otros, un grupo de hombres de negocios japoneses que analizan el valor turístico de la obra; un grupo de niñas de una escuela local que comentan el gesto del pintor al reproducir el rostro de su esposa en la única mujer retratada en el cuadro; jóvenes que hablan de lo que implica realizar una obra maestra de tal magnitud; o un grupo de mujeres de una misma familia que rememoran visitas anteriores al cuadro. 

«Siempre busco con atención aquellos momentos en que la gente está desprevenida»

Las observaciones de los visitantes van desde comentarios espontáneos hasta asociaciones personales inesperadas, lo cual ofrece al público una percepción más profunda de la dinámica de los grupos y de las identidades individuales. Al igual que la propia pintura, el vídeo se convierte así en un retrato de grupo. «Siempre busco con atención aquellos momentos en que la gente está desprevenida», señala la artista.

Según Dijkstra, la videoinstalación aborda la subjetividad, las dinámicas de grupo y las maneras de relacionarnos unos con otros; también examina la multiplicidad de miradas hacia una obra del pasado, y muestra cómo las interpretaciones actuales de una pintura del siglo XVII están inevitablemente marcadas por nuestras vivencias individuales y colectivas. A Rineke Dijkstra no solo le interesa lo que las personas dicen, sino también cómo lo dicen: la manera en que el público «ve» la pintura a través de sus rostros, gestos y comentarios. 

Película inmersiva sobre las Pinturas negras de Goya

Por otro lado, en La Quinta del Sordo (2021), Philippe Parreno presenta una película inmersiva que sitúa a los espectadores en la casa en la que Francisco de Goya creó sus famosas Pinturas negras. La instalación audiovisual, de carácter ficcionado, recrea un espacio que ya no existe. En palabras del artista, se trata de «un juego de prestidigitación entre un espacio que se pierde jugando a ser una imagen e imágenes que tratan de producir un espacio».

Mediante el uso de las más avanzadas tecnologías de imagen y sonido, Parreno revive la desaparecida finca de Goya, donde el artista realizó el conjunto de catorce pinturas al óleo directamente sobre las paredes de dos estancias ―plantas baja y alta― de la llamada Quinta del Sordo, una propiedad situada cerca del río Manzanares que adquirió en 1819 y legó a su nieto Mariano en 1823, poco antes de exiliarse a Francia. 

Estas pinturas murales fueron posteriormente trasladadas a lienzo y hoy forman parte de las colecciones del Museo Nacional del Prado. Para la realización de la película, de 40 minutos de duración, Parreno filmó las pinturas en la pinacoteca nacional durante la pandemia, empleando cámaras de alta definición para captar de cerca la textura, la materialidad y la atmósfera de las obras. 

La película propone un viaje al siglo XIX para reconstruir sensorialmente la desaparecida casa de Goya a través de la imagen y el sonido. En la penumbra del espacio se perciben las chispas del fuego de la chimenea, mientras se escucha con gran nitidez el crepitar de la madera, el ruido de unos pasos en la casa, la lluvia o el suave chisporroteo de una vela, única fuente de luz en una época en la que no existía la electricidad. Para acentuar el realismo, en la banda sonora se incorporan también ladridos de perro, voces y otros sonidos indefinidos procedentes del exterior. 

La prioridad del artista se centra en ofrecer una recreación acústica del espacio evitando cualquier intento de reproducir de forma estética y fiel el sonido de la casa. La imagen, por su parte, enfoca cómo podían percibirse las pinturas en aquella época al situarlas en un entorno iluminado únicamente por el resplandor de una chimenea y una vela: luces tenues que permiten ver de muy cerca las célebres pinturas. Así, se suceden ante los ojos del espectador visiones de Saturno devorando a un hijo, Una manola: Leocadia Zorrilla, Dos viejos, Dos viejos comiendo y Perro semihundido, entre otras. Algunas secuencias fueron filmadas a cámara lenta para intensificar esta sensación de desplazamiento temporal. 

Para esta exposición, la Fundación ”la Caixa” ha creado Yo, público, un dispositivo específico de mediación y participación, diseñado a partir de diversos materiales y dinámicas asociadas, que se irá configurando progresivamente gracias a las aportaciones de grupos visitantes de todas las edades y permanecerá disponible para la consulta del público general. Con esta iniciativa se busca visibilizar el papel activo del espectador en la experiencia artística. 

Además, el 3 de marzo tendrá lugar la conversación Retratar el presente, en la que la artista Rineke Dijkstra dialogará con la historiadora del arte María Santoyo sobre su proceso creativo, y sobre los intereses que impulsan su trabajo artístico: el retrato como forma de exploración, el paso del tiempo, la construcción de la identidad y la vulnerabilidad como fuerza. Una oportunidad excepcional para escuchar a una de las artistas más relevantes de la fotografía contemporánea, cuya obra amplía los límites del retrato documental.

Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación ”la Caixa”

La Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación ”la Caixa” se ha consolidado como la primera colección privada de España y un referente en el ámbito europeo. Con cerca de 1.100 obras de arte, tanto de artistas consagrados como de jóvenes creadores internacionales, la Colección traza un relato del arte de los últimos 40 años manteniendo una mirada sensible a la expansión continua del arte y a la renovación constante de la cultura. 

A lo largo de su trayectoria, y con más de 200 exposiciones presentadas hasta hoy, la Colección incluye todas las prácticas artísticas: pintura, escultura, fotografía, dibujo, cine, instalaciones y videoarte. Es el eje de una intensa actividad que conecta arte y pensamiento, y en torno a ella se organizan exposiciones temáticas que abordan cuestiones centrales del presente. 

Fiel a su vocación de servicio público, la Colección busca acercar el arte y la cultura a toda la sociedad. Para ello, la Fundación ”la Caixa” organiza de forma regular exposiciones en su red de centros CaixaForum y en numerosas instituciones de España, Europa y países del continente americano y el asiático, siempre acompañadas de actividades de mediación y divulgación para dar a conocer este patrimonio artístico y su objetivo: la conexión con la realidad más viva del arte de nuestros días y la capacidad de crear asociaciones y establecer vínculos entre el arte y el mundo que nos rodea. 

Asimismo, la colección mantiene un firme compromiso con la sociedad, que es objeto y espejo del arte: con los profesionales que exploran su sentido, con los artistas, que imaginan y nos interpelan, y con el público, destinatario último de sus creaciones.

Primera colección privada de España

Desde su nacimiento hasta hoy, la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación ”la Caixa” ha tejido alianzas con grandes instituciones nacionales e internacionales. Desde los años ochenta ha prestado centenares de obras para exposiciones de museos y centros de arte de todo el mundo. Desde su creación, mantiene un programa anual de adquisiciones muy riguroso que supone un apoyo activo al sector cultural y a la creación artística emergente.

Con una voluntad internacional, la Colección reúne obras de autores fundamentales del arte contemporáneo, como Juan Muñoz, Luis Gordillo, Pierre Huyghe, Anne Imhof, Philippe Parreno, Mike Kelley, Joseph Beuys, Bruce Nauman, Mario Merz, Giuseppe Penone, Antoni Tàpies, Alexandre Estrela, Allan Mccollum, Gerhard Richter, Sigmar Polke, Isidoro Valcarcel Medina, Miroslaw Balka, Cindy Sherman, Ignasi Aballí, Robert Mangold, Cristina Iglesias, Rineke Dijkstra, Jeff Wall, Juan Uslé, Antonio Saura, Dora García, Matt Mullican, Cildo Meireles, Mona Hatoum, Cristina Lucas y Doris Salcedo, entre muchos otros.