Con motivo de la llegada de ”la Caixa” a China, SS. MM. los Reyes de España inauguran en Beijing una exposición de la Colección de Arte Contemporáneo de la entidad

Con motivo de la llegada de ”la Caixa” a China, Sus Majestades los Reyes de España Don Juan Carlos I y Doña Sofía; el presidente de ”la Caixa”, Isidro Fainé; y el director general de la Obra Social ”la Caixa”, José F. de Conrado, han inaugurado hoy en el Beijing Art Museum of Imperial City una muestra de la la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación ”la Caixa”. Este fondo es punto de referencia del coleccionismo por lograr reunir una magnífica representación de los artistas internacionales más destacados de los últimos treinta años. La exposición consta de 15 importantes instalaciones, pinturas, vídeos y fotografías de artistas de gran relieve internacional que abordan el arte como parte de nuestra experiencia de la realidad. Los artistas representados son Antoni Tàpies, Sigmar Polke, Gerhard Richter, Miquel Barceló, Carlos Amorales, Andreas Gursky, Joan Hernández Pijuan, Jonathan Lasker, Miquel Navarro, Soledad Sevilla, Juan Uslé, Óscar Muñoz, Javier Baldeón, Jiri Georg Dokoupil y Javier Peñafiel.

La exposición se podrá visitar en el Beijing Art Museum of Imperial City de China, del 28 de junio al 23 de agosto de 2007.

La Caja de Ahorros y Pensiones de Barcelona, ”la Caixa”, nació hace más de cien años con el objetivo de atender las necesidades de las personas en una doble dirección. Por un lado, dar respuesta a las demandas financieras de los ciudadanos. Por otro, contribuir a resolver las problemáticas sociales aportando una mejora de la vida colectiva. Un siglo después, este compromiso permanece vigente, y en los lugares en que la entidad desarrolla su actividad financiera, promueve a través de su Obra Social y Cultural iniciativas dirigidas a acercar las diferentes manifestaciones artísticas a todos los ciudadanos, fomentar el desarrollo del territorio y evitar la exclusión de los sectores más desfavorecidos de la población.

”la Caixa” es en la actualidad la tercera entidad financiera de España y la primera Caja de Ahorros de Europa. Cuenta con 12 millones de clientes y la red de sucursales bancarias más numerosa de España, formada por más de 5.200 oficinas. Con motivo de la apertura de su primera oficina en China, ”la Caixa”, además de extender su actividad financiera al país asiático, inicia la internacionalización de su Obra Social, una de sus señas de identidad más importantes. La Obra Social ”la Caixa” es la primera fundación privada de España, la tercera de Europa y la sexta del mundo por volumen de presupuesto.

A lo largo de 2007, ”la Caixa” destinará a su Obra Social 400 millones de euros, con el fin de satisfacer las necesidades de la sociedad actual. Esta cifra supone un 25 % del beneficio recurrente generado en el ejercicio de la actividad financiera. Las familias en situación de pobreza, los jóvenes, los inmigrantes y las personas con problemas para acceder al mercado laboral son algunos de los colectivos beneficiarios de las iniciativas de la Obra Social ”la Caixa”. La protección del medio ambiente, el apoyo a la educación y la divulgación de la cultura y del conocimiento como instrumentos de crecimiento de las personas son otras de las líneas de trabajo impulsadas por la entidad financiera a través de su Obra Social.

En el terreno artístico, la Fundación ”la Caixa” goza de un reconocido prestigio internacional. La inauguración en el Beijing Art Museum of Imperial City de la exposición Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”. Visiones y expresiones representa la apertura de la primera muestra organizada por la Obra Social ”la Caixa” fuera de España y responde al objetivo de internacionalización de ”la Caixa” y consecuentemente de su Obra Social y Cultural.

La Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación ”la Caixa”

La Obra Social ”la Caixa” creó en 1985 la Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”, y hasta hoy ha reunido un conjunto de obras clave del arte nacional e internacional de los últimos treinta años, que la han convertido en un referente en la escena artística del país y en un testimonio de la riqueza y la complejidad de la creación artística actual. Las más de setecientas obras que la integran, tanto de artistas plenamente reconocidos como de jóvenes creadores que plantean nuevas direcciones para el arte del futuro, no sólo recogen la memoria histórica del arte mundial de las últimas décadas, sino que también ofrecen una amplia visión de las tendencias contemporáneas a partir de artistas clave. La Colección, consolidada como un proyecto abierto y sensible a las propuestas del arte, también se define por su interacción con el público, mediante exposiciones antológicas, selecciones temáticas y actividades varias. Con esta Colección, la Obra Social ”la Caixa” participa, con la cesión de sus obras, en numerosas exposiciones internacionales organizadas por los museos más prestigiosos del mundo.

Visiones y expresiones muestra cómo los artistas expresan de forma diversa su experiencia de la realidad y su visión del mundo con una variedad de soportes, desde la pintura y la fotografía hasta el vídeo y la instalación. La pintura expresionista de los años ochenta se confronta con las visiones más actuales de un mundo fragmentado, mediatizado y frágil, que se enfrenta a una crisis de identidad y a rápidos cambios de valores culturales. La creación estética opera desde infinitos detalles, aparentes e irrelevantes. Expresiones que surgen de la privacidad, de las emociones íntimas o de la experiencia de la vida moderna se revelan con un pequeño gesto, con abstracciones o figuraciones a partir de imágenes, símbolos y técnicas, o con representaciones del mundo real o de uno fantástico. Esta exposición se ha diseñado como un espacio sensible que propone una percepción poética y simbólica de la realidad, pero también una reflexión crítica de nuestra relación con el mundo.

Carlos Amorales (México D.F., 1970)

Useless Wonder, 2006. Videoproyección de 2 canales. 8 min

Carlos Amorales es uno de los creadores más singulares de la nueva generación de artistas mexicanos. Trabaja con numerosas disciplinas, que incluyen esculturas, performances, fotografía, vídeos y dibujos. En 2003 fundó un estudio de animación en la ciudad de México, con la participación de diseñadores, grafistas y músicos, donde empezó a producir sus videos de animación. Useless Wonder es una proyección doble sobre una pantalla suspendida en el centro de la sala, que combina imágenes gráficas del mundo animal y humano con formas abstractas. Pájaros negros, figuras femeninas embarazadas, simios con cabezas de calaveras y telas de araña evocan estados de fecundidad, parasitismo y entropía a la vez. El ritmo de una música espectral aumenta la atmósfera de una ambigua amenaza que parece afectar a un mundo al borde de un cambio radical.

Miquel Navarro (Mislata, Valencia, España, 1945)

Desde la terraza, 1985-1986. Zinc y cerámica refractaria. 225 × 200 × 600 cm

En 1973, Miquel Navarro inicia la que será su gran aventura escultórico-arquitectónica: la ciudad, situada a caballo de la fantasía, el futurismo y la ciudad del pasado. Desde la terraza se compone de un conjunto de piezas de diferentes tamaños y alturas que evocan la vista aérea de una gran ciudad. Las dos partes de la obra, realizadas con distintos materiales (por un lado, con la calidez de la arcilla y, por el otro, con la frialdad del zinc y el plomo), junto con la ordenación de sus piezas, sugieren las tensiones de integración entre lo nuevo y lo viejo, lo frágil y lo poderoso, lo integrado y lo residual.

Sigmar Polke (Olenisca, Polonia, 1941)

Mephisto, 1988. Técnica mixta sobre tela. 225 × 305,5 cm

La pintura de Sigmar Polke se ha caracterizado desde los años setenta por su excepcional inventiva en recursos estilísticos y técnicos, y por impulsar una relectura crítica e irónica de los ideales del pasado y de los propios discursos del arte contemporáneo. Esta obra, titulada Mephisto, pertenece a la época en que el artista comenzó a interesarse por los incidentes derivados del azar y por el comportamiento químico de los materiales, con el fin de desvelar su lado desconocido y permitir que ellos mismos recreasen el clima emocional de la obra.

Gerhard Richter (Dresde, Alemania, 1932)

St. Bridget (653-3), 1988. Óleo sobre tela. 200 × 260 cm

Gerhard Richter es uno de los artistas más reconocidos. Está considerado como un pintor conceptual cuyas obras son declaraciones sobre la idea de pintura. St. Bridget pertenece a un grupo de cuatro pinturas abstractas conocidas como los Cuadros de Londres, y su título toma el nombre de una de las diferentes capillas de la Abadía de Westminster. Se trata de una pintura que surge de experiencias, asociaciones y recuerdos de la ciudad tras sucesivas visitas. Como en la mayoría de sus pinturas abstractas, el artista superpone varias capas de pintura de diferentes colores, que extiende con breves movimientos de espátula y que revelan diferentes brillos y colores ocultos. El aspecto final es paisajístico, casi monetiano, aunque la preocupación del artista no es la incidencia de luz en la naturaleza.

Miquel Barceló (Mallorca, España, 1957)

Une poignée de terre, 1989. Técnica mixta sobre tela. 230 × 285,5 cm

Miquel Barceló es uno de los artistas más conocidos de la pintura española desde los años ochenta. En su obra se hallan representados los grandes temas de la pintura clásica, con una constante experimentación de variedad de materiales y procedimientos pictóricos. A finales de 1987 se trasladó a Malí (África), vivencia que marcaría su trayectoria artística, donde sometió su pintura a un proceso de depuración iconográfica y matérica. En Une poignée de terre se aprecia la herencia de sus primeros paisajes; unos paisajes espirituales de gran fisicidad, que ahora se han convertido en imágenes de ausencia. La pintura crea una membrana de relaciones orgánicas entre color, luz y sombra, que confiere a la obra la memoria del tiempo, de la vida y la muerte, de lo más esencial de la existencia.

Andreas Gursky (Leipzig, Alemania, 1955)

Hong Kong Shanghai Bank, 1994. Fotografía en color

La primera impresión que producen las fotografías de Andreas Gursky es de orden. La mayoría de sus obras revelan una gran tensión entre la aparente racionalización del espacio visual, tratado casi como una abstracción formal, y la actividad del ser humano que lo organiza y ocupa. Hong Kong Shanghai Bank es una imagen nocturna del edificio construido por Norman Foster, en la que el artista ha enfatizado la tensión entre la macroestructura de la arquitectura y la microestructura del trabajo individual en el banco.

Javier Baldeón (Ciudad Real, España, 1960)

El mundo 1, 1993. Fotografía cibachrome en color. 140 × 110 cm

Javier Baldeón pertenece a un grupo de artistas que, desde la pintura, ha abordado el problema de la representación y cuya obra es difícil de encasillar en las clasificaciones tradicionales. A partir de los años noventa, empezó ha realizar trabajos fotográficos y ha continuado su práctica artística cultivando la pintura y la fotografía. El mundo 1 es una fotografía de la Tierra que, más que representar el globo terráqueo, simboliza un mundo personal formado por diversos hábitats.

Javier Peñafiel (Zaragoza, España, 1964)

Maltrato, 1999. Videoproyección sonora. 19 min

Maltrato es una videoproyección que, como un trompe-l'oeil, muestra un friso de flores que poco a poco es destruido. Las flores, imagen arquetípica que asociamos a la sensación de plenitud y belleza de la vida, son aquí metáfora de nuestras aspiraciones personales y de la confianza que depositamos en la cultura como una protección que construimos en el mundo y que, no obstante, es maltratada constantemente. Peñafiel no pretende ser tremendista, no dramatiza, pero bajo la sutilidad de esta obra se revela una fuerte carga irónica y violenta que ataca nuestro imaginario emocional.

Óscar Muñoz (Popayán, Colombia, 1951)

Re/trato, 2003. Videoproyección. 29 min 15 s

Las obras de Óscar Muñoz ponen de manifiesto la imposibilidad de alcanzar una identidad permanente en este mundo. Re/trato es un vídeo en bucle que nos muestra la mano del artista intentando incansablemente dibujar su autorretrato. Su tarea, a pesar de la constancia, nunca puede ser finalizada. El pincel dibuja con agua sobre una losa calentada por el sol. Inevitablemente, los rasgos de su rostro se evaporan y su imagen se desvanece una y otra vez. Como en el mito de Narciso, el artista se ha condenado a alcanzar algo imposible. Su identidad es efímera, como parece ser todo en esta vida.

Jonathan Lasker (Jersey City, Nueva Jersey, EE.UU., 1948)

Natural Order, 1993. Óleo sobre tela. 196 x 244 cm

La obra de Lasker surge de un proceso conceptual complejo sobre los fundamentos de la pintura y sus componentes específicos. Por un lado, desarrolla las convenciones de la pintura de la modernidad referente a las relaciones entre figura y fondo, profundidad y plano, ilusionismo y realidad, mientras que, por otro, trata sus figuras como imágenes metafóricas que estimulan la memoria y la fantasía. Las formas compactas que traza con un grosor notable de pintura, y que superpone a tramas laberínticas de líneas dibujadas, articulan una estructura espacial que puede ser vista simultáneamente como una realidad física y como una ilusión. Sus pinturas, aunque abstractas, funcionan con los mismos mecanismos de la representación, con una estructura que sugiere una escena donde se desarrollan complejos contenidos formales.

Juan Uslé (Santander, España, 1954)

Crazy Noel, 1987-1988. Óleo, pigmento y vinílico sobre tela. 200 × 305 cm

En los años ochenta, la obra de Uslé ya destacaba como una de las expresiones más significativas de la pintura española. Su obra, que en una etapa inicial se inspiraba en imágenes del paisaje de su tierra natal, experimentó un proceso de abstracción después de su traslado a Nueva York, en 1987. Crazy Noel es una de las primeras obras de gran formato que pinta tras su llegada a la gran ciudad americana. Es una pintura atmosférica, en la que el paisaje se disuelve en una luz saturada con una combinación de negros, azules y verdes oscuros. "Mi intención no es tanto pintar un paisaje abstracto como abrir lo que yo llamaría zonas de tránsito entre el paisaje y la pintura", declaró el artista.

Antoni Tàpies (Barcelona, España, 1928)

Maquillaje, 1998. Técnica mixta sobre tela. 116, 5 × 89,5 cm

Antoni Tàpies es una artista sin el cual no se puede entender gran parte del arte de los últimos cincuenta años en España. Incansable, a su avanzada edad sigue pintando con una renovada inquietud. Tàpies recupera en los años noventa su línea más "dibujística", iniciando un periodo en el que el paso inexorable del tiempo y el deseo de introspección adquieren una nueva intensidad. Vuelven a surgir los autorretratos, como acto de reafirmación de la existencia, revelando un conocimiento profundo de la realidad y de sí mismo. Su grafismo ha dejado sobre esta pintura un rostro inquietante, que parece diluirse en la luz que surge a sus espaldas, resaltando los cuatro puntos cardinales del rostro con pinceladas empastadas de blanco y símbolos de su particular iconografía.

Joan Hernández Pijuan (Barcelona, España, 1931-2006)

Memoria de la Alhambra 1, 1994. Óleo sobre tela. 165, 5 × 216, 5 cm

El paisaje ha sido un tema constante en la obra pictórica de este artista a lo largo de su trayectoria creativa. En su pintura, densa y pausada, resuenan los ecos de un proceso de sedimentación, de acumulación de experiencias, de diálogos con la pintura misma. Capa sobre capa, sus pinceladas monocromas van impregnando el espacio de sus cuadros con una sensualidad austera. Sus memorias de la Alhambra son sutilmente sugeridas por un trazo lineal constante que delimita el espacio pictórico.

Jiri Georg Dokoupil (Kmov, República Checa, 1954)

Cutlery, 1986. Técnica mixta sobre tela. 160 × 160 cm

Dokoupil es un pintor errante que se nacionalizó alemán y estudió arte en Colonia, Francfort y Nueva York, donde fue alumno de Hans Haacke. Durante años ha dividido su tiempo entre Düsseldorf, Madrid y Tenerife. En los años ochenta realizó un trabajo metafórico y simbólico, apropiándose de rasgos característicos de diferentes estilos y convirtiendo su pintura en un campo de experimentación. Cutlery (1986) alude a diversos conceptos pertenecientes a la historia de nuestra cultura visual, aunque su interpretación resulta especialmente ambigua. Muestra cuatro cubiertos en cuyo interior hay dibujados fragmentos de mapas, que han sido redibujados y los países reubicados en lo que podrían ser cuatro continentes. Es una pintura dominada por un tono onírico, que se completa con los labios de un vivo color rojo situados en la parte inferior, en clara referencia al surrealismo de Dalí.

Soledad Sevilla (Valencia, España, 1944)

En ruinas II, 1993. Acrílico sobre tela. 180 × 250 cm

Soledad Sevilla es una artista con una reconocida trayectoria en el campo de la pintura y de la instalación. Su obra pictórica se ha caracterizado por la creación de atmósferas espaciales de gran contenido poético. La arquitectura, la luz, el agua y el tiempo han sido elementos fundamentales de su concepto de espacio. Las ideas sobre la ruina y los espacios devastados forman parte de la temática que desarrolló en los años noventa. La artista representa imágenes que muestran las heridas del inexorable paso del tiempo a partir de texturas y formas de muros agrietados, enmohecidos o revestidos por vegetación. Con estas obras, Sevilla nos abre a un mundo de ensueño, en el que todo parece ya irremediable, donde el abandono da lugar a un paisaje en constante mutación y la naturaleza se convierte en pintura abstracta.